→ Fotografía: J.D. OKHAI OJEIKERE

25 Sep

J.D. OKHAI OJEIKERE:  Morfologías del pelo hecho arte y fotografía. 

Johnson Donatus Aihumekeokhai Ojeikere, nace en 1930 en la parte occidental de Nigeria. Uno de sus primos le aconseja comprar una cámara y le enseña lo que necesita saber. En sus días de juventud Ojeikere escribe incansablemente a “Ministerio de información” en Ibadan, pidiéndoles que lo contrataran como un “asistente en el cuarto oscuro”. Su tenacidad se ve recompensada cuando en 1961 se fundó la primera estación de televisión.En vísperas de la descolonización es contactado por la agencia de publicidad de “West Africa Publicity” en Lagos donde logra colmar sus ganas de trabajar en esta; poco después de que él abre su propio estudio “Foto Ojeikere”. En 1967 se convierte en un miembro activo del Consejo de Arte de Nigeria, una organización encargada de la organización de un festival de las artes visuales y la viven. Esta es una oportunidad para Ojeikere para dedicarse a la cultura nigeriana, a la que está profundamente unido.

J.D. Okhai Ojeikere

J.D. Okhai Ojeikere

“Peinados” será su colección más conocida, que participaron casi 1,000 peinados diferentes que dan una imagen de la mujer africana. Encuentra estas “Esculturas por un día” en la calle, en un matrimonio o en el trabajo. Actualmente esta colección se encuentra en la Galería Magnin-A de París. Pero sus fotografías se encuentran registradas en al colección privada de “The Walther Collection”

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MÁS INFORMACIÓN /// MORE INFORMATION: http://www.gallery51.com/index.php?navigatieid=9&fotograafid=12

→ Fotografía: GREGORY COLBERT

4 Mar

Gregory Colbert:
Un estribo contundente y sagrado, a salvaguardar el entorno animal a través de la fotografía.

“Al explorar el lenguaje compartido y las sensibilidades poéticas de todos los animales, estoy trabajando redescubrir esa tierra común que una vez existió cuando las personas vivían en armonía con los animales. Las imágenes muestran una conjunción del mundo que no tienen principio ni fin, aquí o allá, pasada o presente. ”
(Gregory Colbert)

 

Retrato de Gregory Colbert con un Rhinoceros Hornbills.

Gregory Colbert Nació en Toronto, Canadá, en 1960. Es cineasta y fotógrafo.

Es reconocido por el proyecto “Ashes and Snow” Una exposición de obras fotográficas y videografías en El Museo Nómada. Al igual este documental recibió varios reconocimientos y  un premio en el festival de Venecia.

La primera exposición de Gregory Colbert, Time Waves, se inauguró en El Museo de Elysée en Suiza en 1992, luego durante diez años de ausencia Cobelt mantuvo un silencio inusual en el que en secreto realizó su próximo trabajo. Durante ese tiempo viajó a lugares como india Birmania, Sri Lanka, Egipto, Dominica, Etiopia, Kenia, Tonga, Namibia y Antártica. En dónde ahondó en uno de los misterios de varias culturas: La interacción de animales salvajes y el hombre. La profunda conexión que puede existir entre ambos. En esa búsqueda Colbert realizó más de 60 expediciones, en las que también ayudó a la aprensión de cazadores y traficantes de más de 130 especies, además de sus modelos fotográficos: niños, monjes birmanos de rodillas en trance, personas de San y miembros de varias tribus indígenas alrededor del mundo.

En 2002, Gregory Colbert presentó al mundo: “Ashes and Snow.” En un museo de Venecia, Italia; Cubriendo 12.600 metros cuadrados de paredes en dónde Colbert rompe el esquema de exposiciones, siendo una de las exposiciones más grandes de Europa.

Él describe su obra como un bestiario del siglo veintiuno, lleno de especies alrededor del mundo. Una orquesta con la naturaleza que incluye Homo Sapiens y elefantes, ballenas, manatíes, águilas, guepardos. En la primavera del 2005, la Exposición en se inauguró en la ciudad de Nueva York dentro del Museo Nómada (The Nomadic Museum), allí realizaron una estructura temporal construida exclusivamente para albergar tan magna exposición. El Museo Nómada es el hogar permanente de “Ashes and Snow”. Gregory Colbert concibió la idea de un museo itinerante sostenible en 1999. El Museo Nómada más reciente fue en el Zócalo de la Ciudad de México, diseñado por el arquitecto Colombiano Simón Vélez. Fue la mayor estructura de bambú de la historia. Posteriormente de la exposición en Nueva York, viajó a Santa Mónica, California; 2006 Tokio, 2007 Ciudad de México, hasta la fecha más de 10 Millones de personas de han visitado “Ashes and Snow”, esto convierte la exposición en la más vista en la historia, según naciones unidas.

“ Ashes and Snow se desarrolla en gran parte por mis colaboradores: Los animales. De ahí espero ver el mundo a través de los ojos de una ballena, un elefante, un manatí, un suricato, un guepardo. He intentado dejar las ventanas y puertas abiertas para que otras personas puedan entrar y sentir ese asombro mismo que sentí durante la creación de cada obra. “ afirma Colbert, también hace referencia a parte en parte a la historia de la humanidad: “Creo que los aborígenes australianos exploraban los mismos encantos cuando pintaban animales, que no estaban interesados en el simple hecho de pintar los contornos de sus cuerpos. Se centraron también en la vida del animal y ese sueño interior. Las pinturas rupestres de San del desierto de Kalahari en África y el arte de otras tribus indígenas de todo el mundo, muestran también su capacidad de mirar desde dentro hacia afuera. Cuando empecé Ashes and Snow en 1992, me puse a explorar la relación entre el hombre y los animales.”

Los colaboradores de los que habla Gregory Colbert son:  Elefantes asiáticos, cachalotes, ballenas jorobadas, águilas reales, manatíes, halcones peregrinos, halcones gyr, babuinos, guepardos, perros salvajes africanos, ballenas piloto, rhinoceros hornbills, halcones Harris, ibis sagrado, grúas de antígona, orangutanes, rinocerontes, cocodrilos de agua salada, ciervos samba, jaguares, martas, osos hormigueros, tapires, cigüeñas jabirú, zorros grises y tigrillos.

Su carrera empezó en París desde 1983, iniciando con sencillas películas documentales de temas sociales. On the Brink” es una crónica del SIDA y durante su filmación simultáneamente fue filmado: “Nine Countries” Nominado Premio a “ACE Awards” en 1985 en la Categoría Mejor documental. También desarrolló otros proyectos fílmicos: Last Words (Ultimas palabras) y Finding a Way Home  (Encontrando camino a casa). Estos proyectos lo conllevaron a realizar fotografías impactantes y surreales en las que, precisamente, documentaran en un sólo instante varias situaciones. Últimamente fue nombrado embajador honorario de la cultura en México.

Gregory Colbert a raíz de sus expediciones, encontró la necesidad de crear una fundación en pro de los animales, en este caso más específica: Los elefantes. Flying Elephants (Elefantes voladores) es la fundación que parte de realizar labores de mantenimiento, cuidado y campañas para los elefantes, premia todos los años a los profesionales de las artes y las ciencias que con su trabajo ayudan a mejorar el medio ambiente. Este es el link de la fundación: http://www.flyingelephants.org/

WEBSITE: www.ashesandsnow.org/

WEBSITE ANEXOS:

Website del planteamiento técnico y electrónico la exposición:
http://www.electrosonic.co.uk/sites/default/files/projects_pdf/ashes_snow.pdf

Fotografías oficiales de la exposición en Viena de “Ashes and Snow”:
http://www.behance.net/gallery/Bianimale/1229801

Página oficial el Youtube de “Ashes and Snow” para ver los videos realizados:
http://www.youtube.com/user/AshesandSnowNY

→ Fotografía: YASUHIRO ISHIMOTO

21 Feb

Yasuhiro Ishimoto:  El placer de registrar lo que nos rodea en forma espléndida.



–  Ōtsuji Kiyoji – 大辻清司, Yasuhiro Ishimoto –
石元 泰博 with kids, Japan, 1953 –

Yasuhiro Ishimoto. Nació el 14 de junio de 1921 en San Francisco, California, lugar en el que sus padres eran agricultores. (Murió este año 2012, el 6 de Febrero a los 90 años.)  En 1924, la familia salió de los Estados Unidos y retornaron a  la ciudad natal -la actual Tosa, en la prefectura de Kochi, Japón.- El fotógrafo japonés Yasuhiro Ishimoto, fué una de las principales figuras del renacimiento de la fotografía en Japón, en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.  A pesar de haber nacido en San Francisco, en el año de 1969 él reclamó su nacionalidad Japonesa. Su deseo en convertirse ingeniero fure frustrado en los primeros años por su padre que seguía copiosamente la agricultura; Yasuhiro comenzó a estudiar en la Escuela Secundaria Agrícola Kochi. De 1942 a 1944, fue internado con otros estadounidenses de origen japonés en el campamento de Amache (también conocido como Granada Relocation Center) en Colorado. Al llegar a Chicago, ciudad que tendría una presencia importante en su vida, inció estudios de Arquitectura en la Universidad Northwestern. Teniendo en cuenta la terrible destrucción de los años de guerra en Japón, pensó que sería una profesión bastante útil para su país. En 1946 se unió al Club Ishimoto Foto Dearborn para cineastas aficionados y fotógrafos. Después de unos meses eligió cambiar su curso de estudios y se inscribió en el programa de fotografía en el Instituto de Diseño (más tarde, Instituto de Diseño y Tecnología de Illinois) en 1948, donde estudió con Harry Callahan y Aaron Siskind. Su extraordinario don ya estaba muy desarrollado y que fue un éxito como estudiante en que ganó un amplio reconocimiento por su trabajo. Se graduó en 1952.


– Untitled (Chicago), c. 1950, by Yasuhiro Ishimoto –

Durante este tiempo, ganó numerosos premios de fotografía, entre ellos el Premio de Moholy-Nagy, que ganó dos veces. En 1950 recibió el premio al mejor fotógrafo novel, otorgado por la revista Life y en 1951 y 1952 el premio Moholy-Nagy. Al año siguiente Edward Steichen lo selecciona para participar en la exposición The Family of  Man como representante de la fotografía japonesa; y poco después el Museo de Arte Moderno de Nueva York le pide hacer las fotografías del palacio imperial de Katsura, este trabajo lo terminó en 1958. El resultado se dio a conocer en un libro que se publicó el año 1960 en la colaboración con los arquitectos Walter Gropius y Kenzo Tange. Ishimoto trasladó de nuevo a Japón otra vez en 1953, y en ese mismo año hizo una serie de imágenes para las que él es el más conocido, de la Villa Imperial Katsura en Kioto. Aquí se combinó sus estudios de fotografía en Chicago, (un programa creado por el gran modernista, Lazlo Moholy-Nagy), con su innato respeto por las tradiciones del arte japonés y la arquitectura. La combinación de una estética moderna con la materia como tema tradicional dio una profundidad y resonancia a las imágenes que es ejemplar. El libro, elaborado con Kenzo Tange, y con el apoyo de Walter Gropius, optó por presentar las estructuras modernistas como palimpsesto y despojado de algunos de los aspectos más convencionales de la materia. Fue una decisión editorial que le dio una pausa Ishimoto y que iba a tener en cuenta en futuros proyectos las lecciones aprendidas en el proceso de edición de las fotografías de Katsura.


– Flowers serie, by Yasuhiro Ishimoto –

En los años siguientes, mantuvo sus conexiones americanas y fue incluido en la familia de la exposición de Steichen en el MoMA “El hombre”, un espectáculo que marcó el cenit de un enfoque particular a la fotografía y que tuvo una influencia considerable. Se mudó a Chicago de nuevo en 1958 y comenzó a trabajar en lo que se convertiría en otro libro de gran prestigio. Trabajar con seguridad y con una espontaneidad que era muy diferente al trabajo anterior que hizo un retrato de la ciudad tal como era a finales de la década de los años cincuenta. Volvió a Japón 1961 a vivir a Fujisawa y un año después comenzó a dar clases en el Instituto de Diseño Kuwasawa y en el Colegio de Fotografía de Tokio. Entre 1966 y 1971 fue profesor en la Universidad Zokei de Tokio. En 1969 decidió convertirse en ciudadano japonés. Entre 1975 y 1978 se dedicó a viajar por diferentes países entre los que se encuentran Irak, Irán, Turquía, China, España, la India, Australia y algunos de América del Sur y del norte de África. Ha recibido numerosos galardones y reconocimientos entre los que se encuentran: Premio de la Asociación de Críticos Japoneses a los mejores libros publicados por Katsura y Someday, somewhere; Premio Camera Art de 1962 por “The face of Chicago”; Premio Mainichi Art de 1970 por su libro Chicago, Chicago; Premio del Ministerio de Educación de Japón en 1978 por su libro “The Mandalas of the Two world”, volvió a visitar el proyecto en las últimas ediciones de la obra y una vez más en 1982 cuando él reinterpretó la villa en una majestuosa serie de fotografías en color. Su técnica fotográfica no han sido aún superada, se ha convertido en canónico, y el libro sigue siendo una de las más célebres de su tiempo.


– Serie Boys (Chicago), by Yasuhiro Ishimoto –

Premio de la Sociedad Fotográfica de Japón en 1991 y en 1996 fue nombrado “Hombre de Distinción Cultural” por el gobierno Japonés. Ishimoto ha publicado muchos libros y expuesto ampliamente en Japón y los USA. En 1999 fue objeto de una retrospectiva de su carrera en el Art Institute de Chicago. Los años siguientes fueron tomadas con una sucesión de cargos docentes y de una efusión abundante de trabajo. Ha publicado muchos más libros sobre temas tan variados como los mandalas celebrados en el templo Toji en Kyoto, las ollas de Lucie Rie, y un estudio de amplio alcance de la arquitectura islámica en la mayor parte del área de distribución histórica y geográfica del Islam. Él también hizo un importante cuerpo de trabajo que exploró de lo abstracto y puro, no la cámara-los métodos de toma de fotografías, tal vez en reconocimiento a sus primeros ejercicios en la fotografía en el Instituto de Diseño y teniendo en cuenta en sus propias obras de la tradición anterior del fotograma y relacionado con las técnicas fotográficas creativas.

Se le llamaba con frecuencia por el célebre arquitecto Arata Isozaki para fotografiar sus obras, una colaboración de larga duración que fue de gran beneficio tanto para los hombres. Entre su obra posterior a su registro de la reconstrucción de los templos de Ise, publicado en 1993, con un ensayo de Isozaki, debe tenerse en cuenta. Le encanta que se le permita registrar las estructuras que producen un hermoso conjunto de imágenes que son un buen complemento a su trabajo en Katsura. Los dos proyectos de atención a las obras de la arquitectura que se destacan en el centro mismo de la cultura japonesa.

– Untitled (Chicago), by Yasuhiro Ishimoto –

Ishimoto era un hombre extremadamente modesto, con la certeza de su don, y se fue tranquilamente a su trabajo con la pantalla hacia afuera poco. Él tomó gran placer en el arte de la fotografía y era meticuloso en la presentación de su obra. Su cuarto oscuro, donde se imprimen sus fotografías en blanco y negro, era muy pequeña, poco más que un armario, pero sus impresiones siempre fueron de la más alta calidad. Prefirió largos períodos de tiempo, la concentración de la actividad, la generación de imágenes en torno a una idea y tomando nota de los cambios de la sociedad en que vivió. Grabó las cosas como estaban, mirando con un feroz sentido de integridad en la forma en la ciudad de Tokio estaba cambiando. La ciudad siempre y cuando el telón de fondo para su trabajo durante gran parte de su vida creativa y él era uno de los observadores más astutos de la evolución de la ciudad, ya que se mudó de la destrucción de los años de guerra para convertirse en el foco de una de las economías poderosas de la última parte del siglo pasado.  A raiz que en internet poco se encuentra de él, esta vez haré un diverso recorrido por sus imágenes.

La Villa Imperial Katsura en Kyoto, Japón utiliza un “lenguaje rico patrimonio arquitectónico” que “es más resplandeciente que contenida, aunque su sensibilidad geométrica alínean fácilmente con los ideales de los modernistas del siglo 20”, señala la revista Dwell en su edición de septiembre. Arquitectura de Katsura ciertamente en consonancia con las ideas de los modernistas, a veces demasiado. La residencia imperial del siglo XVII ha fomentado el debate entre los arquitectos, fotógrafos, editores y hasta por lo menos desde los modernistas occidentales primero “descubierto” Katsura. Los debates sobre su arquitectura, así como representaciones fotográficas de la villa a menudo tienden a alinearse con o por lo menos se refieren a las instrucciones del propio analista.

– Katsura Interieur des Hauptgebäudes,  © Ishimoto YasuhiroBauhaus‐Archiv – Museum für Gestaltung –

WEBSITES DE INTERÉS:

ALEMANIA:  http://www.zeit.de/kultur/2012-02/fs-villa-katsura-ishimoto-yasuhiro

JAPÓN – USA: http://www.stephendaitergallery.com/dynamic/artist_list.asp

ENTREVISTA A YASUFUMI NAKAMORI ACERCA DE LA VIDA DE YASUHIRO: http://via.library.depaul.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1023&context=oral_his_series

– Un agradecimiento muy especial al corresponsal Andrés Carvajal,
que nos colaboró mostrándonos el trabajo de Yasuhiro Ishimoto
también enviándonos diversas páginas en Alemán, Inglés y Japonés acerca de él.-

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→ Fotografía: ZIYAH GAFIC

31 Jan

Ziyah Gafic:
Un reencuentro con guerra que persiste.

“Para alguien que pasó por la guerra y ha tenido una pérdida humana personal, la empatía es esencial;
Si los lectores no hacen hincapié de esto en mis fotografías, entonces habré fallado.” 
(Ziyah Gafic)


Troubled Islam. Tales from the Dark Valley. Bosnia.
Photo by: Ziyah Gafic

Ziyah Gafic, nació en Bosnia y Herzegovina, Sarajevo. En 1980. Es un fotógrafo documentalista. Desde 1999 ha viajado a más de cuarenta países por su trabajo. El Islamismo, sus problemas religiosos y sociales, es en gran parte el núcleo de su obra fotográfica, cubriendo las secuelas en varios países. Ziyah tenía 12 años cuando la guerra de Bosnia comenzó, allí se encontró con diversas escenas familiares de violencia, en dónde a su tío incineraron, su prima violaron y su abuelo ante la presión interracial se suicidó. Esto lo marcó para siempre. Sus series fotográficas se realizan en Bosnia, Palestina / Israel, Kurdistán, Irak, Osetia del Sur, Ruanda, Chechenia, Líbano y Afganistán. Se centra en las secuelas de la guerra y la violencia en la vida cotidiana, captura con su lente la determinación de las personas que tratan de seguir adelante con sus vidas. En todos los países que ha trabajado existe una comunidad musulmana importante. Sus imágenes capturan escenas de problemas islámicos, personas destruídas, paisajes dañados, tierras sin población; El olvido y abandono, que es causado por la guerra.

Ziyah Gafic se graduó en Literatura Comparativa, ha realizado exhibiciones en famosas galerías y eventos tales como: Visa pour l’image Perpignan, Rencontres du photograhie Arles, Fovea Editions New York, Oude Kerk Amsterdam, Tom Blau gallery London, Grazia Neri gallery Milano. También publica constantemente en diarios al rededor del mundo como: Amica, La repubblica, Time, Tank, Telegraph Magazine, The New York Times Magazine, Newsweek y L’Espresso. Asi mismo ha ganado conseutivamente premios Kodak, World Press Photo, Getty Images y Hasselblad Masters. Su trabajo más reconocido “Troubled Islam” ha sido publicado en el libro “Historias del mundo globalizado” (Tales from Globalizing World) por Thames & Hudson.

Crecer en Sarajevo y ser testigo de la guerra desde el punto de vista de alguien a quien la guerra le estaba pasando en realidad, pero no ser capaz de tomar parte en ella lo dejó muy frustrado. La fotografía le ha permitido estar en el otro lado del evento. La frustración se convirtió en determinación de documentar las consecuencias a largo y doloroso plazo en la post-guerra de Bosnia. Esa fue la razón para él de ser un fotógrafo de Guerra. El ver cómo su país fue destruyéndose y distorcionándose ante el mundo, se sintió obligado a dar su mejor esfuerzo y cambiar esa imagen. Para el ha sido una experiencia extraordinaria estar en ambos lados: Ser parte de la noticia y ser narrador de la misma.

“Troubled Islam” es una serie de ensayos fotográficos, sobre las consecuencias de la guerra y la violencia en la vida cotidiana de las personas que viven en sociedades como Europa, África y Asia. El objetivo es comparar y tratar de comprender las circunstancias políticas y culturales que pueden conducir a un país a su desintegración y, sobre todo para registrar las consecuencias de la condición humana en esos lugares. “Para alguien que pasó por la guerra y ha tenido una pérdida humana personal, la empatía es esencial; Si los lectores no hacen hincapié de esto en mis fotografías, entonces habré fallado.” Dice Ziyah acerca de su trabajo.

En tiempos post 9.11th estos países se consideraron principales fuentes de terrorismo internacional, Ziyah registró la cadena de eventos que se desarrollaron en estos lugares, mostrándo su fragilidad desgarrada por el odio étnico, conflictos largos y agotadores que han contaminado el legado de la dominación colonial y la Guerra Fría. Sin embargo, también repara en ese pedacito de esperanza en el que a veces ha sido considerada como la cuna de nuestra civilización, ese lugar misterioso y precioso.

Desde que inició su labor fotográfica ha pasado por países como Bosnia: En donde retrató una secuela dolorosa e identificación de personas desaparecidas, en Palestina: Con uno de los conflictos más largos del siglo 20 y el nuevo muro de separación, Irak: En el barrio conflictivo de la ciudad de Sadr, Kurdistán: En la madrugada de la invasión de la coalición, Osetia del Norte: Después del cerco de Beslan, Chechenia: En la vida cotidiana en Grozny, Afganistán: A las personas maltratadas y su paisaje destruído, y en el Líbano: después de la reciente campaña militar israelí. Todos estos ensayos fotográficos tratan modestamente iluminar el patrón de participación cuestionable internacionalmente y se centra en la gente que queda atrás, luchando para restablecer algún tipo de orden algún día a su devastado ambiente social y habitacional.

 

Troubled Islam. Tales from the Dark Valley. Bosnia.
Photo by: Ziyah Gafic

 

Circumsition ritual.
Client: Cordaid, The Netherlands.
Photo by: Ziyah Gafic.

WEBSITE: http://www.ziyahgafic.ba

→ Fotografía: JAN BANNING.

31 Jan

Jan Banning:
Mirar al pasado violento, para no repetirlo.

“En todos los conflictos armados a gran escala, las mujeres son víctimas de violencia sexual. En la mayoría de los casos esto se mantuvo en silencio – por las víctimas, autores y líderes gubernamentales. –  El tabú es persistente.”
– Jan Banning –

  


– Serie: Confort Women. –
The past is never dead. It’s not even past.
(William Faulkner, Requiem for a Nun)

Jan Banning, nació en 1954 en Netherlands (Países Bajos) con padres inmigrantes de holanda y la india. Cursó estudios de Historia Social y Económica de la Universidad de Nijmegen. Su obra es una mezcla de fotografía fotoperiodismo, documental y de bellas artes. Ha publicado gran cantidad de libros de fotografía. Su monografía más reciente (2010) es “Comfort Women”, una serie de retratos de mujeres indonesas que fueron víctimas de trabajo forzoso sexual durante la Segunda Guerra Mundial. Durante la guerra los militares japoneses crearon un sistema de esclavitud sexual, obligando a las mujeres a prostituirse en burdeles militares. La mayoría de las mujeres sufrieron consecuencias físicas y emocionales desde ese entonces. En el libro, hace que 18 valientes mujeres rompan el tabú y hablen del tema que tanto las agobió durante años. En el libro Jan Banning cuenta la historia de ellas, usando soportes gráficos con carteles de guerra japoneses; el libro presenta partes masculinas y femeninas de la guerra, propaganda y realidad.

Las niñas de entonces, son las mujeres de edad ahora. Vergüenza, estigma y sentimientos de culpa les han hecho guardar silencio acerca de sus experiencias de la guerra durante décadas. Las mujeres en estas fotografías tuvieron el coraje de compartir los tortuosos recuerdos suprimidos de su memoria. Sexo regulado en burdeles militares fueron usados como un medio eficaz para impulsar el espíritu de las tropas, mantener la ley y el orden, tambien usado como un regulador para prevenir la violación y las enfermedades venéreas; Archivos de 1938 del Departamento de Guerra japonés, muestran la iniciativa de las fuerzas armadas japonesas, para el establecimiento de miles de burdeles militares, en el que se estima en 50.000 – 200.000 mujeres de Solaz que se vieron obligadas a servir a tres millones de soldados japoneses. Inclúso después de más de seis décadas, muchas mujeres todavía tratan de mantener su historia en tiempos de guerra en secreto a raiz de su familia y su entorno.

En 2008 Jan Banning, publicó un libro que logró un gran reconocimiento llamado: “Bureaucratics” en el que muestra las oficinas personajes del poder ejecutivo y burócratas en los distintos servicios y niveles. Las oficinas han sido fotografiadas en ocho países de cinco continentes diferentes. El proyecto se llevó a cabo con el escritor: Will Tinnemans, con Jan Su plan siempre fué llegar en momentos innoportunos en dónde Tinnemans entrevistaba a los empleados distrayéndolos evitando que pusieran en orden la oficina. Con el libro “Sporen van oorlog” -Huellas de la Guerra- lograron entre Banning y Tinnemans varios reconocimientos, este, trata de los sobrervivientes de las líneas ferrocarriles de Birmania y de Sumatra, trabajadores de mano de obra forzada por los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Trabajando en condiciones de miseria humana que incluso a muchos de ellos llevaron a la muerte.

– Serie: “Sporen van oorlog” -Huellas de la Guerra-
During World War II, some 60,000 POWs were forced to work on the 414
kilometers long railway in  the border areas of Burma and Thailand.
A quarter were Dutch, more than a third were English,
and the rest was primarily American and Australian. 


 – Serie: “Bureaucratics” –
Containing 50 photographs, the product of an anarchist’s heart,
a historian’s mind and an artist’s eye. 

WEBSITE: http://www.janbanning.com

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→ Fotografía: HIROSHI WATANABE

28 Jan

Hiroshi Watanabe:
Un secreto ínfimo detrás de la máscara.

” 


–  Noh Masks of Naito Clan – Noh – Hiroshi Watanabe –

Hiroshi Watanabe, nació en 1951 en Japón, es un fotógrafo con sede en California que se graduó en el Departamento de Fotografía de la Universidad de Nihon en 1975. Se trasladó a los EE.UU. y comenzó a trabajar en la producción de comerciales de televisión. Incluso, creó su propia compañía de producción la cual cerró a mediados del año 2000. Tras tomar esta desición optó por viajar por el mundo retratando gente, máscaras y sus tradiciones. Hiroshi está interesado en lo que hacen los seres humanos, tratando de capturar con su lente las tradiciónes y nuevas culturas. En 2010 dio a conocer el libro “Love Point” que contiene las imágenes en estudio de Sexdolls (muñecas sexuales) mezcladas con imágenes de chicas reales vestidas de la misma manera. Por su libro “Suo Sarumawashi” fotografió una tradición que ha existido por más de mil años en Japón. Monos bailando sobre caballos, fueron utilizados inicialmente como una forma de ritual religioso para proteger a los caballos de los guerreros. Hoy en día son usados para realizar acrobacias y sketches cómicos para una audiencia. En esta serie Hiroshi tomó retratos íntimos de los monos, que muestra características humanas. Hiroshi ha publicado un gran número de libros y su trabajo ha sido expuesto ampliamente en todo el mundo. Estas imágenes vienen de series como “Love Point”, “Suo Sarumawashi” y “Kabuki Players.”

Las máscaras, también son una de la atracciones y fascinaciones de Hiroshi Watanabe, entre sus series una está dedicada a las máscaras del teatro Noh, tradicional en japón por su dramatismo en ellas, que son la representación de la comedia y la tragedia. También realizó una serie de máscaras de Venecia, ya que al conocerlas a fondo notó profundamente la dificil relación de los venecianos con su propia cultura de máscaras, asi que decidió darle un espacio en su trabajo a estas, al igual que a temas como los muñecos “Bunraku.”

Estos temas para Hiroshi significan transmitir la expresión que con máscaras el sujeto está destinado a revelar, desde las verdades más profundas y emotivas, hasta la identidad que genera el mismo disfraz que le acompaña. En la serie veneciana, actores Watanabe de la compañía Pantakin, usaron máscaras involucrando a la Pulcinella, Innamorata, Arlekín, etc. Colocándose máscaras como La Strega (que denota una bruja), La Morte (la muerte), y Bauta (Una máscara de carnaval, o término que también se usa por ciertos políticos en la toma de decisiones para garantizar el anonimato).

En esta serie de Venecia, a los ojos del fotógrafo, el mar era el vínculo entre Oriente y Occidente – que había traído de Venecia en contacto con el Oriente, que sirve como conducto para las mercancías e ideas. Un barco en el agua, por lo tanto el escenario ideal para sus personajes: no tenía necesidad de otros accesorios, y para un fondo de cortina Watanabe utiliza las fachadas imponentes de los palacios a ambos lados del Gran Canal.

 – Comedy of Double Meaning – Venecia – Hiroshi Watanabe –

WEBSITE: http://www.hiroshiwatanabe.com

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→ Fotografía: NICOL VIZIOLI

25 Jan

Nicol Vizioli:
Naturaleza vida y sus rarezas.

” I’m constantly looking for something, inside and outside me. I often meet incredible creatures and together we listen and tell stories. I am all of them.” (Nicol Vizioli) 

Nacida en Roma Italia, 1982, vive y trabaja en Londres.

Comenzó como pintora y poco a poco la fascinación de las imágenes fijas generaron en sí una fuerte pasión por la fotografía. Su trabajo proyecta una intimidad con la naturaleza y la rareza, la utiliza como un medio para conocer una variedad de sensaciones físicas que surgen en la elaboración de un lienzo en blanco. La visión de su trabajo se basa en diversos lugares, como el mundo natural y animal, la mitología, la literatura y la pintura, finalmente: la fotografía. Esta es considerada por ella como el punto de convergencia, donde todos ellos se encuentran. La pintura y la fotografía son inseparables en su trabajo, que se influyen mutuamente, en un proceso continuo, de interminable flujo.

Recibió una licenciatura en cine en La Sapienze Universidad de Roma y sólo recientemente una maestría en fotografía de moda en el London College of Fashion, de la Universidad de las Artes. Su proyecto de graduación se llama Sombras, en el que muestra una serie de retratos extraños y míticos. “Son declinaciones de mi imaginación, los deseos, la espera, los intentos de rescate en silencio, a veces son sueños, más a menudo son oraciones . En este el casting abarca Gemelos, albinos, ancianos y personas calvas.

Su obra ha sido expuesta en Italia y en el Reino Unido.

Para leer una entrevista realizada a ella: http://ecopirates.wordpress.com/2011/05/11/nicol-vizioli-interview/

Su website: http://www.nicolvizioli.com

Acts of Faith and Daily Photographic Meditations: Oliver Ruuger
By: Nicol Vizioli

 

The Play of The Virtues, from Scivias.
Hildegard Von Bingen. Spring-Summer 2011.
By: Nicol Vizioli

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